(Colaboración de Miguel Ángel Muñiz)

Hay películas que ya están malditas incluso antes de que se filme un solo plano. El caso de Capitán América entraría por derecho propio en esta categoría. No es desde luego el caso más famoso de película “mutilada” en todas sus fases, pero sí una de las que pueden resultar más interesantes, habida cuenta del lugar que Marvel ocupa hoy día dentro de la industria de Hollywood. No se puede olvidar que en el año 1989, cuando se realizó esta obra del menospreciado Albert Pyun, tan solo DC había logrado cosechar gran éxito en el cine con las dos primeras entregas de la saga de Superman iniciada en 1978 por Richard Donner. Los mandamases de Warner Bros, propietaria de DC Comics, aún estaban contando los dólares que llevaba recaudados el Batman (1989) de Tim Burton y, por otra parte, el anterior intento de llevar a la gran pantalla a un personaje original de Marvel, Howard el pato, en 1986, se había saldado con un estrepitoso fracaso; este caso fue aun más sangrante teniendo en cuenta de que se trataba de una gran producción bajo el sello de George Lucas.

A mediados de la década de los 80, la Cannon Films se hace con los derechos del personaje que crearan Joe Simon y Jack Kirby. Tras un primer tratamiento de Stephen Tolkin y Lawrence Block, es el primero el que entrega un libreto que cosecho valoraciones positivas tanto en el seno de la productora como entre cierto número de actores conocidos que tuvieron la oportunidad de leerlo. Sin embargo la situación se quedo estancada durante varios años. En 1989 la Cannon estaba en bancarrota y uno de sus socios fundadores, Menahem Golan, fundó una nueva compañía y dejo a su primo Yoram Globus al frente de un caballo herido de muerte. 21 Century Films fue el nombre del nuevo “juguete” de Golan, que por supuesto se había llevado consigo entre otras cosas, los derechos de adaptación del personaje del escudo. Así las cosas y con una trayectoria de experto en películas baratas y de consumo rápido en su haber, Menahem urde rápidamente un plan para empezar la filmación e ir recaudando dinero para completarla mientras tanto.

El primer recorte importante viene a la hora de intentar seguir el guión, que contiene secuencias de acción muy caras que evidentemente no se consiguen sufragar, así que se eliminan todos los rastros de espectacularidad que pueden encontrarse y se deja un guión más centrado en los personajes, más introspectivo y menos épico por tanto. Por supuesto los problemas se multiplican y al no poder encontrar financiación suficiente en Estados Unidos, el equipo se marcha a Yugoslavia, donde se realiza la mayor parte del rodaje. Esto se agrava aún más cuando en un momento dado los inversores retiran los fondos y Pyun se ve obligado a tener que pedir prestado el equipo para continuar el trabajo, llegando incluso a extremos muy lamentables, como engañar a los actores diciendo que el material grabado ese día se estropeó al revelarlo en el laboratorio y que tendrían que volver a hacer los planos correspondientes más adelante, cuando en realidad lo que ocurría es que no tenían dinero suficiente en ese momento para comprar rollos de celuloide que meter en la cámara. De esta manera tenían unos días de margen para conseguirlo, aunque no siempre se alcanzaba el objetivo.

Una vez que se termina el rodaje y se edita el film, apoyado por cierto por el mismísimo Stan Lee, que anunciaba el proyecto como si fuese un acontecimiento en la industria del entretenimiento, Golan no está satisfecho con el resultado, especialmente el final. No olvidemos que el final original era bastante diferente del finalmente estrenado. Cráneo Rojo, tras escuchar de nuevo como asesinan a su familia, se suicida arrojándose desde el castillo/fortaleza en el que habita. De esta forma el productor consigue cerca de medio millón de dólares, para que un equipo reducido de actores y técnicos, regresen a Yugoslavia a filmar otro final con más tiroteos, muertos y con la muerte del villano tras ser golpeado por el escudo, dando de esta forma más protagonismo al héroe en la resolución de la historia. Esto resulta bastante llamativo si tenemos en cuenta que el presupuesto total fue de poco más de 3 millones de dólares según el director. Otras fuentes dan una estimación de cerca de 10 millones, pero no parecen demasiado fiables. Puede que la intención original estuviese presupuestada en esa cantidad, pero la realidad fue otra distinta. Pyun entregó poco después su versión final, que había reducido de algo más de 180 minutos a unos 140. Por supuesto no llegó a un acuerdo con Menahem y acabó siendo despedido de la post-producción, como le había ocurrido antes con otras producciones de Golan en las que había participado. De esta manera se recortó la duración a 100 minutos y se distribuyó en Europa directamente en vídeo o en algún caso muy puntual y limitado, en cines. Los derechos en Estados Unidos se vendieron a Columbia Tristar, que mantuvo la película retenida hasta 1992, momento en que la editó en VHS tras cortarle otros 10 minutos y dejarla en la paupérrima hora y media que conoce la mayoría del público que la ha visto.

Con la llegada del Blu-ray y especialmente del estreno de la versión multimillonaria de 2011 dirigida por Joe Johnston, la alta definición ha restaurado, al menos en parte, la estética original de Pyun; con una nitidez realmente sorprendente y una proporción de pantalla que pasa del 1.33:1 de la cinta de vídeo al 1.85:1 en que se filmó realmente. Sin embargo, la mutilación de casi 50 minutos sigue pasando factura; lo que resulta aun más flagrante, cuando poco después se lanzó de manera limitada a través de la página web del propio Albert Pyun (http://www.albertpyun.net/), un montaje del director, que se acerca a los 120 minutos pero que resulta igualmente insatisfactoria, entre otras cosas por la baja calidad de parte del material usado como fuente. En cualquier caso es público y notorio que tanto Pyun, como Matt Salinger, Ronny Cox y Francesca Neri entre otros, se quejaron de que lo que el público había visto no era ni mucho menos lo que ellos habían hecho o firmado para hacer.

Llega el momento de hablar de la película propiamente dicha, del texto fílmico; El enfoque de los personajes y su tratamiento es uno de los aspectos más interesantes del trabajo de Tolkin y Pyun. Por un lado tenemos a Steve Rogers, un joven norteamericano que no puede ir a combatir en la segunda Guerra Mundial por estar físicamente enfermo, pero que desea luchar como su padre en nombre de la “Libertad”; aún pagando el precio de abandonar a la chica que ama y que sabe que tal vez nunca vuelva a ver. En el lado opuesto tenemos a Tadzio De Santis, un niño italiano superdotado, que es apartado de su familia, a la que asesinan delante suyo, para posteriormente ser usado como sujeto en terribles experimentos, que lo convierten en un siniestro asesino con la cara desfigurada. Un villano a su pesar, que se pasara toda su vida adulta atormentado con el recuerdo de aquella noche en que los soldados fascistas irrumpieron en su casa; algo que queda mucho más claro y patente al ver algunas de las secuencias que se eliminaron del montaje final. Esto hace que el suicidio original del personaje cobrase un sentido trágico y por supuesto alejado del típico argumento que se podría encontrar en la adaptación de una película de superhéroes. La interacción entre estos polos opuestos es muy interesante. Cráneo Rojo se ha adaptado a los tiempos modernos de una manera curiosa, convirtiéndose en un magnate que comanda una especie de “imperio secreto”. El hombre responsable del asesinato de importantes figuras políticas y sociales de Estados Unidos en las últimas décadas. Tiene además una hija (como su homónimo del cómic) que dirige un grupo de mercenarios que hacen el trabajo sucio que su padre les encomienda. Es ella quizá el personaje más maltratado en cuanto a su desarrollo, puesto que apenas se sabe nada de su pasado, ni se ahonda demasiado en su carácter, salvo que quiere agradar a su padre por todos los medios posibles y que este orgulloso de su trabajo, algo que se tornara complicado. El héroe de los años 40, por su parte, está fuera de lugar en una sociedad mucho más multicultural y globalizada. Está en mundo que no entiende, pero tampoco parece querer entender. Demasiados matices y dificultades. Se hace hincapié en la confrontación de los personajes con su pasado (La relación entre Steve y Bernice, así como evidentemente entre el protagonista y el antagonista) si bien momentos clave fueron equivocadamente eliminados de la versión final; como Steve visitando en la actualidad visitando al coronel que le instruyó en la época de la guerra, ahora un viejo enfermo que pone en cuestión que aquello que hicieron y por lo que lucharon sirviese de algo o la triste intimidad de De Santis solo en su castillo junto al mar, bañado por la luz del atardecer, tratando de tocar la misma pieza de música clásica (Chopin) que no pudo acabar de pequeño; algo que por supuesto no podrá lograr de adulto al quedar paralizado por los dolorosos recuerdos.

De igual manera un evidente mensaje ecologista se desprende de algunos diálogos y situaciones. Las ideas políticas del Presidente encarnado por Cox son un buen ejemplo de ello. Lo cual evidentemente, le llevara a ser víctima del complot que un sector del poder militar y armamentístico  urde contra él. Esto crea un marco en cierto modo similar a las ya míticas conspiraciones políticas del cine norteamericano de los años 70, estilo Pollack, si bien no se desarrolla en esos términos. En la misma línea, en los créditos finales se puede leer un mensaje a favor del medioambiente: “Por favor apoya el acto de protección medioambiental de 1990”. Cierto es que al film de Pyun se le ha acusado de esconder la parte heroica del personaje reduciendo sus apariciones con el traje y el escudo al mínimo tanto en el pasado como en el presente. Sin embargo Pyun siempre ha mantenido que para él, Capitán América es un héroe más interesante porque en lugar de asesinar o disparar contra sus enemigos, utiliza sus habilidades para salvar vidas y a ese respecto ha sido crítico con el tratamiento dado a Rogers en la versión estrenada en 2011, donde se le podía ver pistola en mano disparando a los agente de Hydra sin pudor ni remordimiento. Esto puede llevar a pensar, que quizá la eliminación de una secuencia filmada por Pyun donde el personaje se liaba a tiros con los soldados nazis, fuese quizás desechada por el propio director, ya que ni está en la versión estrenada en 1992 ni en su montaje del director del 2011; si bien parte de ella puede verse en diversos VHS´s europeos.

A pesar de todo, es más difícil juzgar el trabajo de Stephen Tolkin que el de Albert Pyun. Debido a los ya mentados cambios en el guión, se acabó filmando un libreto con incoherencias y carencias que se agravaron con la ausencia de dinero para realizar un producto técnicamente sólido. El director, a pesar de todo, logra momentos de bastante interés como las escenas iniciales o la lucha entre Rogers y los hombres de Cráneo Rojo en el antiguo laboratorio de la doctora Vaselli. La parte final sita en un imponente castillo justo al mar, ayuda a transmitir una sensación trágica, aunque la intención evidente era lograr una batalla épica que si hubiese proporcionado una inyección económica acorde a las necesidades argumentales. Pyun filma la acción en su estilo característico, con composiciones panorámicas estilizadas y encuadres trabajados, siempre que puede. Lamentablemente su intención original de filmar en proporción 2.35:1 fue descartada de nuevo por motivos económicos, aunque es posible rastrear en algunos de sus encuadres a su idolatrado Sergio Leone, al que de nuevo homenajea a través de su tan característica dilatación del tiempo y fragmentación de los momentos violentos, peleas, disparos… para conseguir unos efectos psicológicos determinados en el espectador. El aspecto fotográfico lógicamente es muy básico. Apenas hay secuencias que desprendan una atmósfera efectiva (la reunión de Cráneo Rojo con industriales y hombres de negocios en su castillo). Algunas escenas nocturnas o que transcurren en entornos oscuros tienen mucho grano, debido probablemente a la falta de focos; aunque se pueden pasar por alto por motivos dramáticos, a fin de cuentas pasan situaciones similares en muchas otras películas de similar género.  Sin embargo en las que transcurren a la luz del día hay de todo. Momentos con un fuerte uso de los colores, aprovechando el traje del protagonista y el entorno (escenas en Alaska) frente a otras que dan la sensación de carecer de iluminación artificial, como si hubiesen colocado la cámara y filmado tal cual o como mucho con algo para rebotar la luz natural y que no les salga la imagen quemada. Pero no hay un “uso” de la luz o el color” específicos (las escenas de Steve con Sharon en Italia). Aunque esto se deba al presupuesto o a la falta del mismo. Es un trabajo a medio hacer, puesto que otros momentos están resueltos con gran efectividad visual (la secuencia inicial o el primer encuentro entre héroe y villano). Para mayor enfado de sus responsables, algunos de los mejores planos, estéticamente hablando, se eliminaron de la versión final.

En conjunción con lo descrito anteriormente, Pyun usa los encuadres narrativamente y siempre que puede trata de aportar información sobre cada personaje a través de su puesta en escena (los primeros planos enfrentados de protagonista y antagonista en la parte final) con ciertos momentos a lo largo del metraje que dejan patente la doble soledad de los dos oponentes; no olvidemos que por un lado es Rogers quien tendrá que luchar solo prácticamente contra Cráneo Rojo y sus secuaces, sin embargo es De Santis quien a pesar de todo lo que tiene y de estar rodeado por mucha gente, incluso por su hija, quien está más solo. No hay atisbo de esperanza o amor, solo dolor y frialdad. Esto sin duda contrasta con la situación del personaje interpretado por Matt Salinger, que tras haber pasado 40 años congelado en el hielo y estar fuera de lugar en la moderna sociedad de finales de los años 80, conservara a su novia (al menos durante un breve espacio de tiempo) e incluso se esboza un conato de romance con su hija Sharon.

                                                                                                                                   

Es digno de mención por otra parte, el gran trabajo llevado a cabo por el maquillador Greg Cannom, que creó el aspecto del villano tanto en el pasado como en el presente, con su rostro lleno de cicatrices, del mismo modo envejeció y cambio el aspecto de la actriz Kim Gillingham, para que interpretase a Bernice tanto en los años 40 como en los 80 y también a su hija Sharon con resultados notables. Lo que resulta curioso es que en 1992 la película Eternamente joven dirigida por Steve Miner y protagonizada por Mel Gibson, tuviese un argumento muy similar al largometraje que nos ocupa. Un joven estadounidense de los años 30 que resulta congelado como consecuencia de un accidente en un experimento y despierta décadas después, tratando de localizar a su antigua novia que es ahora una anciana. Por supuesto los similares efectos especiales de maquillaje corrieron a cargo del ya mencionado Cannom.

Capitán América es una película que avanza a toda prisa, en gran parte por el frenético montaje llevado a cabo por Jon Poll y Alan Baumgarten, especialmente en las escenas de acción (peleas, persecuciones, tiroteos…) editadas a una velocidad que rivaliza con modernos productos de acción mainstream e incluso con alguna que otra de las modernas producciones Marvel; aunque en el caso que nos ocupa tiene un componente extra de evitar que se note demasiado la falta de medios. Este frenesí de planos acaba resultando excesivo en algunos momentos, ya que se cortan planos francamente notables, para incluir otros no tan buenos. Evidentemente no se puede esconder demasiado la falta de dinero y deja ver sus carencias de manera clara, especialmente en su primera parte (no se ve la transformación de Rogers después del experimento ni los entrenamientos y pruebas a los que evidentemente se le ha tenido que someter, aunque se hace un escueto comentario a este respecto).

Por toda esta serie de circunstancias, el film no contentará a los aficionados al cómic por su falta de espectacularidad, pero sí contiene elementos de interés cuyo desarrollo fue cercenado por sus distribuidores, aunque algo quede de ese poso trágico y triste que inunda su historia. Es un enfoque distinto del que se podría esperar en una temática como esta, pero desde luego está lejos de ser el despropósito o el bodrio que muchos han comentado. Especialmente porque en semejantes condiciones era muy complicado conseguir un resultado técnico diferente y a nivel narrativo la mayoría de los puntos que se pueden cuestionar se disolverían con la inclusión de todo lo eliminado; que afecta a la práctica totalidad de los personajes. Lo que si parece más difícil de defender, es la elección de Salinger como protagonista, que si bien hace todo lo que puede, no llega a estar a la altura de lo exigido. De hecho una de las notas más jocosas entre los detractores de la película son las orejas de plástico que luce el actor cuando lleva puesto el traje. Al parecer la máscara original tenia los agujeros, pero llevar las orejas desprotegidas era molesto para él y finalmente se cubrieron optando por poner una réplica barata de estas. Respecto de este Capitán América se podría añadir que es fiel al cómic en líneas generales.  Si bien es cierto que en alguna ocasión actúa de manera algo cobarde, alejado de la creación de Simon y Kirby, un personaje valiente, decidido y temerario… cualidades que su contrapartida fílmica no muestra demasiado; antes al contrario, huye de los villanos cuando le persiguen en motocicleta por los bosques de Alaska y trata de huir para evitar la confrontación en el ruinoso laboratorio donde fue sometido al experimento, décadas atrás. Cierto es que en el último tramo de la película se lanza contra el villano y sus hombres con cierta actitud combativa, pero sigue pareciendo demasiado “humano” y no un superhéroe duro y atrevido. Lo cual tampoco está realmente mal, teniendo en cuenta el estilo “pegado a la realidad” buscado por guionista y director.

Tanto el Capitán América como Cráneo Rojo comparten un vínculo directo. Los dos fueron sujetos de un experimento. Uno por obligación y el otro por decisión propia; algo inventado para el film, puesto que en los cómics no comparten origen y el antagonista es de origen alemán y no italiano. Es de alguna manera un conflicto fraternal. Nunca fueron amigos, pero en cierto modo si hermanos a su pesar. Algo que el propio villano señala durante la confrontación final en el castillo fortaleza Lorenzo y que no le sienta nada bien a Steve. Ambos apenas se cruzan unas palabras durante el transcurso de la película, pero son momentos llenos de rabia. De una violencia bastante más impactante que los momentos de acción más espectaculares, porque provienen de los propios personajes, del interior. Son instantes como esos los que brillan por encima del resto. Por último, estaría bien señalar que ciertos aspectos de la relación entre Steve Rogers y su enamorada así como del pasado del protagonista del film (él y Sharon regresando al lugar abandonado donde, en el pasado Rogers se sometió al experimento o Steve visitando a Bernice ya anciana) fueron desarrollados de manera muy similar en la continuación del film de Joe Johnston, Capitán América: El soldado de invierno, dirigida por los hermanos Anthony y Joe Russo en 2014 (Steve visitando a una Sharon Carter anciana o aquel en el que Rogers acompañado de la Viuda Negra, regresa a la base militar abandonada, donde fue entrenado en la época de la Gran Guerra).

A continuación, adjuntamos una serie de imágenes de algunas de las escenas eliminadas:

 

Saludos desde el Gabinete, camaradas.