Entrevista con Lee Demarbre

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Nombre: Lee  Demarbre.

Ocupación: director de cine, programador, amante del cine de explotación.

Filmografía: Jesucristo Cazador de Vampiros (2001), Harry Knuckles and the Pearl Necklace (2004), The Dead Sleep Easy (2007), Vampiro: Angel, Devil, Hero (2008), Smash Cut (2009), Stripped Naked (2009), El crepúsculo de Summer (2009). 

En primer lugar, Lee, muchísimas gracias por acceder a esta entrevista. ¿Podrías presentarte a los lectores que no sepan quien es Lee Demarbre?

Mi nombre es Lee Demarbre. Actualmente soy el programador en The Mayfair Theatre en Ottawa, Canadá. The Mayfair (fundado en 1932) es uno de los cines operativos más antiguas de América del Norte. Soy también el co-propietario de ese cine. He dirigido 7 largometrajes y actualmente estoy preparando mi octava película este invierno, aquí en Ottawa.

Según tengo entendido eres un apasionado del cine de explotación, algo bastante palpable en tus trabajos. ¿Cuándo comienza tu amor por este cine underground? ¿Eras un habitual de los llamados cines grindhouse, aquí en España conocidos como “cines de barrio”?

Mi pasión por el cine de explotación es aparte de quien soy. Me gradué en la escuela secundaria en 1992. Siempre me ha gustado el cine, pero hasta que fui a la Universidad no tenía ni idea de lo que era el séptimo arte fuera de lo que había visto en Hollywood. En 1992 comencé mis estudios de cine en la Universidad de Carleton. Lo mejor de esta experiencia universitaria es que me permitió descubrir el cine internacional, el cine de arte y ensayo, permitiéndome explorar eso que se conoce como cine de explotación. Recuerdo haber viajado a Nueva York en mi primer año de estudios. Tomamos un bus desde Ottawa hasta Nueva York; aproximadamente, ocho horas de duración. En el bus mi profesor de cine se fumó una tonelada de mariguana. A lo largo del viaje nos puso la banda sonora de Shaft (1971), que yo nunca había oído. Escuchar aquella banda sonora cambió mi vida; necesita saber todo acerca la Blaxpoitation. Volví de Nueva York con mochilas enteras cargadas de VHS de ese “Black Cinema”. Durante el primer año de mis estudios de cine también descubrí a Bettie Page, Doris Wishman, John Waters, Radley Metzger, Russ Meyer, Fred Williamson, Pier Paolo Pasolini, Jackie Chan, Sammo Hung, Santo, etc. ¡Mi pasión por el cine cambió para siempre!

Eres canadiense. En tu país existe una producción de terror bastante representativa desde hace décadas, viniendo a la cabeza nombres como David Cronenberg o Bob Clark (quien a pesar de ser estadounidense, desarrolló algunos de sus clásicos en Canadá). Además, cada vez es más habitual encontrarse multitud de películas de bajo presupuesto rodándose por allí. ¿Qué opinión tienes de lo que podíamos llamar el fantástico canadiense? ¿Crees que se podría tildar de toda una corriente exportadora de grandes joyas del cine de Serie B, como lo sería en su día la ozploitation australiana?

El cine de género en Canadá siempre ha sido un gran negocio, en su mayoría debido al asunto de la liquidación de impuestos. Esto duró más de una década, durante los 70’s y los 80’s. Creo que los cineastas se meten en la exploitation cuando están trabajando en un mundo ajeno al star system. El éxito de Hollywood está basado en el hecho de que la potencia de sus estrellas funcionen. Sin embargo, si eres un cineasta con un presupuesto pequeño que no puede permitirse tener una estrella de cine, o vives en una parte del mundo que no proporciona acceso a las grandes estrellas… como cineasta… te encontrarás creando un tipo de película que atraerá a una audiencia sin depender quien protagoniza tu película. Así vinieron las películas Kung-fu, el cine biker, el gore, las películas de wrestling, etc. De esta manera este esfuerzo te facilita una mejor calidad cinematográfica. Los cineastas de bajo presupuesto, que trabajan desde un género de exploitation, están a menudo obligados a trabajar duro para llevar su visceralidad a la gran pantalla. Desde David Cronenberg a Sam Raimi, Jackie Chan o Russ Meyer… El público del cine de explotación es muy afortunada de tener estos cineastas a los que admirar. Dame The Gore Gore Girls (1972) cualquier día de la semana en vez de Memorias de África (1985).

Te encargas de la programación del Mayfear Theather de Ottawa, especializado en la proyección de películas clásicas, piezas no muy difíciles de ver por los circuitos comerciales e incluso con la proliferación de las antiguas dobles sesiones. ¿Qué me podrías decir de tu labor allí? ¿Conoces propuestas similares que tenemos en España, como la sala Phenomena de Barcelona?

Nunca he estado en España, así que no puedo decirte sobre qué cine tenéis por allí, pero uno de mis profesores en Carleton era español (quien le hace una felación a Jesucristo en Jesucristo cazador de vampiros) y me decía que España tiene una asombroso público de cine underground. Como programador del Mayfear Theatre, intento divertir al público todo lo que puedo a la hora de programar películas. Al menos una o dos veces al mes intento proyectar algo que me haga pensar “Wow, no puedo creer que esté presentando esta película al público de Canadá”. He sido un rabioso y enérgico cinéfilo desde que era un niño, es un sueño que me paguen por hacer esto.

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Mayfair Theatre. 1074 Bank St, Ottawa, Canada.

Debutas con un par de cortometrajes protagonizados por uno de tus personajes de cabecera, Harry Knuckles, interpretado por tu actor fetiche Phil Caracas. Aquí ya se vislumbra cierto tono de parodia y sarcasmo con el foco centrado en el cine de exploitation, especialmente las artes marciales, que podría definirse como una marca de la casa de tus primeros proyectos. ¿Podrías citar algunos subgéneros o películas que te hayan influenciado para conseguir el tono de estos primeros trabajos?

Kung-fu, terror, wrestling, sexploitation, blaxpoitation o el musical son las más evidentes referencias como inspiraciones. Recuerdo después de graduarme en mis estudios de cine programar en la Universidad de Carleton (después de 4 años) y pensé que era el momento de hacer una película, aunque no tuviera ni idea que quería hacer de antemano. Cuando miro a tras a mis primeras películas me doy cuenta que he hecho cada género en esas cintas. La serie Harry Knuckles y Jesucristo Cazador de Vampiros son un crisol de esos géneros. A veces cuando veo aquellas películas me sorprendo de ver que tipo de films (además de las obvias que he enumerado anteriormente) han influido en mí. Debería sorprenderte de oír que Woody Allen es una influencia que yo pondría a la derecha en el punto alto de mi lista. Yo incluiría también Sammo Hung, Herschell Gordon Lewis, Steven Spielberg, Sam Peckinpah, David A. Prior, Larry Cohen, Dario Argento, Monty Python, los hermanos Zucker y otros tantos más, por nombrar algunos que no había dicho antes.

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Harry Knuckles and The Pearl Experience (Lee Demarbre, 2004)

Debutas en el largometraje con una película totalmente deudora del estilo marcado en tus primeros cortos de Harry Knuckles, Jesucristo Cazador de Vampiros. En ella vemos otra vez influencias del cine de artes marciales, la blaxploitation y hasta la lucha libre Mexicana con la “participación” del popular icono de la contracultra mexicana El Santo. ¿Qué me puedes contar de esta producción, su financiación, recepción y el hecho de que esté considerada un pequeño clásico de culto? ¿Qué le dirías a aquellos que consideran blasfema a tu película?

El film se rodó durante 2 años, filmando la gran mayoría en fines de semana. Me costó sobre 45,000 dólares acabarla; finalizada con un formato de 16mm, debo añadir. La película se rodó enteramente en 16mm, ¡y montada en celuloide!. Estoy muy orgulloso de poseer algunas copias de la película en 16mm, aún a día de hoy. Todo el presupuesto se fue en comprar y procesar la película en ese formato.  Lo que más gasté fuera de lo cinematográfico fueron 200 dólares para una peluca para Phil Caracas para vestirlo como Jesús a lo largo del primer acto del metraje. El corte del negativo costó acerca de 12,000 dólares, más otros 10,000 que fueron gastados en la mezcla de sonido. No nos quedo mucho más.  Recibí algunas concesiones de artistas, pero la mayor parte de lo que se ve en la película fue proporcionado por mi propio bolsillo, y algunas otras cosas de la gente que trabajó en ella. No tuvimos productores ni inversores para hacer la película. Consideraron que estábamos haciendo una película catalogada como musical de terror, comedia y acción sobre el Kung-fu acerca de la segunda venida de Jesucristo, nunca recibimos publicidad cuando lanzamos el film. Mientras rodábamos aquí en Ottawa tenías unas pocas iglesias disgustadas con el hecho de que estábamos combinando una fantasía sobre el vampirismo con la realidad de Jesucristo, pero una vez que salió la película rara vez tuvimos algún tipo de controversia; esto fue un poco decepcionante, ya que esperaba tener aunque sea un poco de mala prensa para que se hablase de nuestra película. Lo mejor de nuestro discreto éxito fue y es el propio título de la película. No necesité a ninguna estrella de cine para hacer una película llamada “Jesucristo Cazador de Vampiros” (¡con ese título la película se vende sola!); todavía encuentro la película bastante joven como para llegar a etiquetarse como un clásico de culto. Ahora, 15 años después, probablemente se necesite esperar unas pocas décadas para ver donde se va a encontrar la película en esas etiquetas. Puedo decir que no encuentro la película blasfema; no era nuestra intención molestar a los creyentes o a los no creyentes. Hicimos lo mejor que pudimos para divertir con el tipo de película que es, pero al mismo tiempo nos tomamos un poco en serio intentando escribir nuestro propio Tercer Testamento en la historia de Jesucristo.

En 2007 te metes de lleno en el mundo de la lucha libre con The Dead Sleep Easy, nuevamente con guión de tu camarada Ian Driscoll… Y sin cambiar de temática, un año después presentas Vampiro: Angel, Devil, Hero sobre la vida del luchador canadiense Ian “Vampiro” Hodgkinson. ¿Esto viene de la necesidad de probar por otros estilos narrativos o simplemente de la reivindicación de la figura de Ian? ¿Hasta qué punto crees que te ha influido el proyecto, arriesgado a priori, en tu labor como cineasta?

Yo estaba intentando hacer una película de acción en Jamaica y acabé haciendo dos películas en México. Driscoll y yo pensamos la historia de Ian Hodgkinson (también conocido como Vampiro) para hacer una buena película; una película de narrativa, no un documental… una especie de Boogie Nights (1997) cambiando el porno por el wrestling. Sin embargo, después de reunirme con Hodkinson y establecer nuestro película, él nos convenció para hacer un documental sobre su vida. Mientras hacíamos el docu durante dos años, nos tomamos 30 días de descanso para rodar The Dead Sleep Easy, que de hecho tiene gran parte basado en su propia vida. Nunca me había imaginado a mí mismo haciendo un documental (y mucho menos un largometraje documental) pero con Vampiro sentí un auténtico líder en ello. Puedo decir fácilmente que Vampiro: Angel Devil, Hero es una de mis películas favoritas, y estoy muy agradecido por ello. The Dead Sleep Easy fue arriesgada, pero no en lo relativo a un riesgo creativo,pero sí como un enorme riesgo para cualquiera que estuviese en México haciendo esa película conmigo. Teníamos armas auténticas, drogas y había gángsters en el set de rodaje. ¡La gente desapareció de la faz de la tierra haciendo esta película! ¡Daba miedo!. Probablemente deberíamos cambiar de tema, pero añadiré que estoy muy contento con el modo en el que salió esa película. Fue la última y única película que rodé con vídeo digital de definición standard. Tuvimos la película con conversión en HD y por cualquier razón se ve mejor todas las películas que he hecho en vídeo digital, incluidas las últimas tres que hemos rodado en 2K.

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Vampiro: Angel, Devil, Hero (Lee Demarbre, 2008)

En 2009 ruedas Smash Cut, en la que se percibe mucho más presupuesto, siendo una clara carta de amor al cine de Herschell Gordon Lewis, que incluso participa en la película. ¿Cómo se originó este proyecto, y cómo Herschell llegó a él?.

Smash Cut fue un proyecto de ensueño; todavía pienso en él como un sueño hecho realidad. Algo parecido a lo que sintió Gareth Edwards siendo ese fan afortunado de Star Wars que acabaría dirigiendo Rogue One: A Star Wars Story (2016)… Conseguí dirigir Smash Cut en ese mismo sentido, pero cambiando las palabras “Star Wars” por “Herschell Gordon Lewis”. Ian Driscoll (el guionista) y yo queríamos hacer Smash Cut justo después de la última película de Harry Knuckles. En 2001 mi esposa (embarazada en ese momento) y yo viajamos a Fort Lauderdale, Florida; fuimos a visitar a Herschell Gordon Lewis a su casa y le lanzamos la idea de hacer un remake de Color Me Blood Red  (1965), que luego se convertiría en Smash Cut. Herschell apoyó en todo momento. Mientras estuvimos allí grabé su voz como el locutor de radio de la película. Nos llevó al Motel Suez (la localización de rodaje de Blood Feast [1963]) donde grabamos metraje en 16mm para la película. Después de eso condujimos hasta Sarasota para visitar la mayor parte de las localizaciones de la original Color Me Blood Red donde nuevo rodamos planos de situación en 16mm para mi remake. Después volvimos a Ottawa, Harry Knuckles and the Pearl Necklace fue estrenada y me asocié con el productor Rob Menzies, quien me llevó a México a rodar el documental y la ficción. Después de volver de nuevo a Ottawa y estrenar esas dos películas, le propus a Rob mi remake de Color Me Blood Red, que fue quien me convenció de hacer un film tributo a toda la obra de Herschell, en vez de hacer el remake de una sola de sus películas. Así es como Smash Cut nació. Fue increíble tener a Herschell en Canadá para que formara parte de la película. Igual de maravilloso fue tener al actor fetiche de Herschell Gordon Lewis Ray Sager (quien protagonizó The Wizard of Gore [1970]) también dentro de la película. Smash Cut cambió mi vida; me hice muy amigo de algunos de mis héroes. Todavía mantengo la amistad con Ray Sager, Sasha Grey y muy en especial con David Hess y Herschell Gordon Lewis hasta sus muertes. Ojalá estuviera todavía en el rodaje de Smash Cut; no pasa ni un día en el que no desee estar ahí otra vez.

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Hace unos meses sufrimos la pérdida de Herschell. ¿Cómo definirías su importancia en el cine de género? ¿Era él consciente de la enorme importancia y relevancia que tuvo para futuros directores?

Herschell inventó muchos de esos géneros, y siguió evolucionando cada uno de ellos hasta su retiro con The Gore Gore Girls en 1972. Herschell nunca se consideró a sí mismo como un artistas, ni siquiera sentía su trabajo de cineasta como una vena artística. Citamos las palabras de Herschell al principio de Smash Cut, en las que decía “Veo el hacer películas como un negocio y la compasión de aquellos de cualquier que lo considere como una forma de arte”. Aquí es donde no estoy de acuerdo con Herschell desde que lo conozco. Todos mis cineastas favoritos tenían una cierta caligrafía con su trabajo de cámara y sus opciones de edición. Adoro ese tipo de director que podrías reconocer sin mirar el comienzo de los títulos de créditos finales para ver su nombre, sino por la forma en la que están detrás de la cámara o el look de cada uno de sus películas. Stanley Kubrick, Sam Peckinpah, John Ford, Akira Kurosawa, Sergio Leone, russ Meyer o John Woo, todos tienen una incuestionable caligrafía que los hacen a cada uno de ellos unos artistas en pleno derecho. Herschell Gordon Lewis tenía esto también. Traté de convencerle de ello por mucho tiempo; al final decidí hacer Smash Cut para demostrárselo de la mejor manera que pude. Herschell ha inspirado, e inspirará a muchos, de la misma manera que un gran artista puede.

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¿Fue fácil la participación de un actor de culto como David Hess en Smash Cut? Decía Ruggero Deodato que en el rodaje de Trampa para un violador (1980), ese fascinante émulo italiano de La última casa a la izquierda (1972) de Wes Craven, Hess tuvo un comportamiento bastante peculiar en el set, con muchísima improvisación. ¿Qué tal te fue a ti con él en el rodaje?

Me hace gracia que preguntes esto. Originalmente le ofrecimos el papel de Able Whitman a David Cronenberg, a quien le entusiasmó el guión pero tenía problemas de agenda. Pensé que sería genial tener a un cineasta haciendo del cineasta de la película. Pierre David (uno de los productores habituales de Cronenberg y uno de los productores de Smash Cut) me preguntó. “¿Quién es el siguiente? ¿A quién ves como Abble Whitman?” Contraté a Sasha Grey porque para mí ella es una valiente intérprete en su propio derecho y quería tomar cierto riesgo en ese personaje. Así que pensé para mí mismo, junto a Sasha Grey, ¿quién era el actor más arriesgado que yo había visto nunca en frente de una cámara? Trampa para un violador me vino a la cabeza, en particular una entrevista de 40 minutos con David Hess en la edición en DVD que Skriek Show sacó de la película. David decía cosas en esa entrevista que a ningún actor jamás le había oído decir; se me abrió la cabeza. También lo pensé como que él parece un intérprete peligroso, alguien que siempre pace que va a saltar fuera de la pantalla. En realidad David era un encanto, ¡tenía un enorme corazón!. Pero cuando la cámara está en frente de él se vuelve más intenso de lo que podrías imaginar. Hess se veía a sí mismo como un actor del método, y yo intenté respetarlo lo máximo posible. Él no quiso aprender nada de sus diálogos; como Brando, colocaba notas por el lugar de rodaje, como si pudiera coger sus líneas del aire pareciendo que era alguien que no había memorizado nada. Era emocionante verlo, pero también ponía a prueba la paciencia de todo el mundo. Algunas ideas en Smash Cut fueron cosas que se inventaron en el rodaje porque David venía con ellas. Muchas veces nos encontramos en el set, como buenos hermanos, tenían amorosas peleas (risas). Aprendí mucho trabajando con David Hess, no cambiaría nada de todo lo que hicimos juntos, lo quiero como a un hermano y desearía que estuviese aquí con nosotros.

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Allí contabas con la presencia de otro actor de culto como Michael Berryman…

Berryman fue muy divertido, y además un gran amigo de David Hess. Su escena juntos en la oficina de Berryman con el Oscar fue improvisada totalmente. Ambos, Berryman y Hess, me dijeron que habían hecho un puñado de películas juntos pero nunca habían improvisado; así que me aseguré que aquí sucediera. Berry vistió en Smash Cut un traje con el que se casó ; él me lo dio después de que se lo envolviéramos y aún lo tengo en mi armario. No hay nadie como Michael Berryman. ¡Soy muy afortunado de decir que trabajé con él!.

Para Sasha Grey, estrella del cine X, aquel año 2009 supuso su debut en el cine convencional tanto por tu película como por The Girlfriend Experience de Steven Soderbergh ¿Cómo fue el rodaje con ella dentro de esta tesitura?.

¡En todo momento en el que teníamos a Sasha Grey antes, durante y después de rodar Smash Cut fue absolutamente emocionante!. Ella define el significado de Diosa. No conozco a nadie más inspirado ni más inspiradora que Sasha Grey. ¡Y mis hijos pequeños también la adoran!. Nunca olvidaré el momento de ver a Sasha Grey por primera vez en una película… déjame empezar por el principio. Yo era un gran fan de Belladonna; soy de la teoría de que el porno asesinó al erotismo. Algunos cineastas como Russ Meyer, Radley Metzger, Tinto Brass, Doris Wishman y otros tantos pararon de hacer cine erótico porque nació el porno XXX y el  gusto del “menos es más” del cine erótico se acabó. Bajo mi punto de vista el cine erótico se murió hasta que Belladonna se puso detrás de la cámara. Ella era exactamente lo que la industria para adultos necesitaba; y estaba haciendo algo que como cineasta yo encontré emocionante de ver, así que vi cada película nueva de Belladonna como si fuese un nuevo proyecto de Woody Allen. Entonces, llegó Fetish Fanatics #4 y vi a Sasha Grey por primera vez. Su escena con Belladonna en aquella película es la más genuina forma de erotismo en el Siglo 21 del cine erótico, en mi humilde opinión. Estaba en México haciendo Vampiro cuando decidí buscar a Sasha Grey en Myspace. ¡Me quedé atónito cuando me di cuenta que era una cinéfila como yo!. Ella expresaba su pasión por el cine de una manera que me hizo sentir que me estaba mirando a un espejo. Pensé para mí mismo que tenía que conocer a esa mujer y que tenía que trabajar con ella como fuese. Le mandé por email el guión de Smash Cut y luego me reuniría con ella por primera vez en el Beverly Hilton de Los Angeles. Su guión estaba repleto de notas, ¡fue algo que me impresionó!. Ella manifestó interés en que trabajásemos juntos y yo estaba absolutamente inspirado por conocerla. La segunda vez que nos reunimos estaba con David Hess; Sasha nos invitó a su casa. Era muy importante para mi que David y Sasha se llevaran bien, pero no estaba del todo seguro que así fuese. Sasha me dijo que era una gran fan de John Cassavetes y le dije que David Hess había crecido conociendo a Cassavetes. Le pedí a David que le contase a Sasha una historia de él sobre su conocimiento de Cassavetes, a lo que accedió. David le dijo a Sasha sobre cómo John Cassavetes le inspiró sobre la actuación y como algún día él esperaría decirle a algún intérprete joven en ciernes las mismas cosas que John le había enseñado a él. Según David contaba la historia empezaba a hacer memoria sobre cuando conoció a Cassavetes. Según iba ocurriendo esto giré mi cabeza y vi a Sasha llorando. Ese fue el momento en el que me di cuenta que David había conectado con Sasha y quería comenzar a rodar Smash Cut inmediatamente; poco después ya estábamos en Ottawa rodando. Sasha adoraba a David Hess; era adorable verlos a ambos dentro y fuera del rodaje. Sasha era tan intensa en el set como estaba David. Podría comparar fácilmente el estilo de David con el de Marlon Brando pero no podría comparar a lo que Sasha estaba haciendo entre tomas con nada que haya visto u oído antes. Era muy emocionante verla preparando las escenas detrás de la cámara y justo al momento delante de ella.. Nunca olvidaré estar con ella entre las tomas, ¡era totalmente inspiradora!.

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Entre otros de tus proyectos están Stripped Naked y El crepúsculo de Summer¿Los consideras importantes para tu flmografía?

No mucho, sinceramente. Yo era un mercenario en esas películas. Si ves mis 7 películas, en 5 de ellas estoy acreditado como “Lee Gordon Demarbre” como director, pero en El crepúsculo de Summer y Stripped Naked figuro como “Lee Demarbre”. Hablé de esto con los productores; el “Gordon” es mi segundo nombre real, y empecé a utilizar usándolo como un guiño a Herschell, al ser una de mis grandes inspiraciones. Eliminé “Gordon” de los créditos en algunas películas para (algo destinado sobretodo en aquellos que conocen mi trabajo previo) dar a entender que aquello no era la típica película de “Lee Gordon Demarbre”. Siempre diré que me encantó trabajar con el reparto y el equipo de El crepúsculo de Summer y Stripped Naked; hice un montón de grandes amigos en aquellas películas, sobretodo con Stephen McHattie, con el que he hablado todo este tiempo deseando volver a trabajar juntos de nuevo.

Me gustaría preguntarte por cómo ves el estado del cine de género en la actualidad, ahora que multitud de realizadores ponen la óptica en cinematografías de décadas pasadas, quizá denostadas en su día y que ahora se reivindican cada vez más en ciertos circuitos de aficionados… ¿Algún director actual de terror que sigas especialmente o creas que puede ser considerado como un nuevo “Master of Horror”?

Para serte sincero, el género actual de terror no me vuelve loco. Encuentro el nuevo cine de terror como inefectivo. Ya no se encuentran efectos gore sangrientos o creativos y hace mucho tiempo que no me asusto con una película. Puede que no sea por la calidad del cine; podría ser porque estoy muy cansado de ver películas de terror a lo largo de los años. Por una cosa; todavía prefiero cualquier de las nuevas películas de George A. Romero (La Tierra de los Muertos Vivientes [2005], El Diario de los Muertos [2007], La Resistencia de los Muertos [2009]) que Walking Dead. Creo que mis gustos son muy de antaño. Una de mis películas favoritas de este año es Train to Busan (2016); la mejor película de zombies que he visto últimamente. También me gustó The Witch (2015). Debo decir que me encanta el gore y me apasionó el gore final de The Neon Demon (2016) incluso sin ser realmente una película de terror. Midnight Special (2016) es un film terrorífico, pero quizá no una película de terror. Mi película favorita de 2014 fue Snowpiecer y me encantó Killer Joe en el 2001 (¡una de las mejores películas de William Friedkin!). Pensé que lo odiaría, pero me encantó el remake de Maniac protagonizado por Elijah Wood en el 2012 (escucho su banda sonora constantemente en mi coche). Y creo que el mejor film de lo que llevamos de Siglo XXI es Battle Royale (2000) de Kini Fukasaku. Supongo que conecto más con el cine extremo que con el de terror. No estoy muy seguro si podría etiquetar a ningún director de cine de terror como “maestro”, pero diré que cineastas como Denis Villeneuve, Jeff Nichols, Nicolas Winding Refn, Gaspar Noé y Louis C.K. están entre los maestros por su propio derecho.

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Otra cosa que me gustaría preguntarte, fruto de la curiosidad: ¿Conoces el cine de terror hecho en España, tanto en el pasado como el presente? ¿Alguna predilección?

¡Sí! Siempre amé Acción Mutante (1993). En el Mayfair Theatre aquí en Ottawa me aseguré usar el logo de Acción Mutante (el tipo en la silla de ruedas con la ametralladora) en nuestro acceso para minusválidos. Si vienes a mi cine en Ottawa, ¡descubrirás que las películas de terror españolas están bien representadas!.

¿Podrías adelantar futuros proyectos en los que estés involucrado?

Estoy con la esperanza de rodar mi octava película este invierno bajo el título de Bring Me the Five Heads of the Deaodato Family. Es una película extremadamente violenta y sexy. ¡Estoy muy ilusionado con ella!.

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¡Muchísimas gracias Lee!.

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